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Estoy confeccionando y publicando en el blog los posts y en YouTube los vídeos correspondientes a diferentes expresiones y términos artísticos.
RELACIÓN DE EXPRESIONES Y TÉRMINOS PUBLICADOS
- RELACIÓN DE EXPRESIONES Y TÉRMINOS PUBLICADOS
- AGUARRÁS
- AU PLEIN AIR
- COLLAGE
- COMPÁS DE REDUCCIÓN
- DRIPPING
- ESPEJO DE CLAUDE
- ESTARCIDO
- FAUVE
- GESSO
- IMPASTO
- NAIF
- NATURALEZA MUERTA
- PENTIMENTI
- POURING O ACRÍLICO FLUIDO
- PRERRAFAELISMO – PRERRAFAELITA
- SFUMATO
- TIENTO o APOYAMANO
AGUARRÁS
El término aguarrás designa a uno de los productos más usados en la práctica pictórica al óleo, como disolvente o mezclado con otras sustancias.
Según la RAE proviene del latín “aqua-rasis” agua-sustancia resinosa.
Durante siglos se ha referido a la esencia de trementina, el producto obtenido por la destilación de la resina de algunas coníferas, Pinus Palustris o Pinus caribaea en América y el Pinus pinaster en Europa.
En la segunda mitad del siglo XIX aparece su sustituto mineral, el White Spirit, un derivado del petróleo, pero es en 1924 cuando la Standard Oil Company of Louisiana establece sus estándares de composición y seguridad convirtiéndolo en más estable y menos inflamable.
Hoy en día se comercializan asimismo aguarrases desodorizados y también otros que se publicitan como respetuosos con el medio ambiente.
AU PLEIN AIR
La pintura «au plein air» es una técnica artística en la que se crea una obra de arte al aire libre, directamente en el entorno natural. El término proviene del francés y significa «al aire libre».
Aunque ha sido una práctica artística desarrollada con anterioridad, se hizo popular en el siglo XIX, especialmente con el movimiento impresionista, cuando los artistas buscaban capturar la luz y los colores naturales de manera más directa y espontánea. En lugar de pintar en el estudio, los artistas salían al exterior, a parques, jardines, paisajes o ciudades, para trabajar directamente delante de la escena que querían representar.
La pintura «a plein air» presenta desafíos únicos para el artista, ya que debe captar la luz y atmósfera cambiante, las sombras, los colores y las condiciones climáticas. Además, crea obras más frescas, vivas y gestuales y ofrece una experiencia inmersiva tanto para el artista como para el espectador.
Estos trabajos se suelen realizar en sesión única “in situ”, aunque muchos artistas optan también por los retoques en el estudio.
COLLAGE
Es una técnica pictórica que consiste en componer una obra plástica uniendo imágenes, fragmentos, objetos y materiales.
A finales del siglo XIX Picasso comenzó a experimentar pegando una fotografía en uno de sus dibujos. Muy posiblemente fue Braque el primero en aplicar los “papiers collés” en sus obras y, tanto Picasso como Juan Gris, se sumaron rápidamente a la experiencia.
Gris presentó en 1912, y por primera vez en una exposición, un cuadro provocador con trozos reales de espejo encolados que reflejaban e introducían en la obra la cara del espectador.
Aunque la invención del ensamblaje se atribuye a éstos artistas, lo cierto es que desde el Antiguo Egipto o en la Europa Medieval ya se realizaban piezas incorporando diversos elementos para reforzar sus creaciones.
También hay constancia de “papiers collés” en Japón desde el siglo X.
Pero es a partir de Braque, Picasso y Gris, que el collage ha estado presente en la mayoría de tendencias artísticas posteriores, incluso en su uso recurrente en los ejercicios plásticos infantiles.
COMPÁS DE REDUCCIÓN
Esta sencilla herramienta, compuesta por dos brazos conectados con una bisagra en el centro, permite calcular con precisión proporciones y poderlas trasladar a otra superficie u objeto.
Los brazos están acabados en punta y acostumbran a estar graduados.
La bisagra, con tornillo ajustable, pivota y se ajusta a la proporción deseada.
A partir del ajuste se pueden trasladar de forma continuada las distancias ampliadas o disminuidas, manteniendo constantemente la proporción entre ellas.
Se acostumbra a confundir con la pantómetra u holómetro pues también es llamada compás de proporción. Este compás actúa como una computadora analógica que resuelve problemas aritméticos, geométricos o trigonométricos, pero no es un utensilio complementario de las tareas de dibujo o pintura.
Durante siglos han sido unas herramientas imprescindibles para artistas y arquitectos por ser de sencillo manejo y de prácticos resultados.
DRIPPING
El dripping es una técnica artística que consiste en trasladar la materia pictórica al soporte, sin que medie contacto entre el utensilio utilizado (pincel, dedos, cepillos, botes, etc.) con éste último.
Lo novedoso reside en la incorporación del azar en el resultado, en función de la distancia y el utensilio empleado.
Aunque se asocia la autoría de esta técnica al pintor estadounidense Jackson Pollock por sus trabajos de la década de los 40 y 50 del siglo XX, recibió la influencia de su profesor Hans Hoffman o de otros artistas, como Janet Sobel, pues compartían con ésta espacios en galerías, exposiciones o el mecenazgo de Peggy Guggenheim.
Esta forma de expresión gestual y azarosa se enmarca en la corriente artística del Action painting, que ya tenía sus orígenes en las creaciones automáticas del surrealismo y que se ha mantenido vigente hasta la actualidad.
ESPEJO DE CLAUDE
El espejo de Claude, también llamado espejo negro, es un sencillo instrumento óptico que debe su nombre al artista francés Claude Gellée (o Claude Lorrain, su nombre artístico), y no por ser su creador sino porque sus obras sirvieron de inspiración para su invención.
Su pintura, y en concreto su estilo, gozó en el siglo XVIII de gran popularidad. Eran temas cargados de romanticismo y lirismo donde imperaba una atmósfera densa, casi táctil.
A fin de disponer y facilitar la percepción de un encuadre con el sol de protagonista y con los crepúsculos y juegos de penumbras del artista francés, se ideó un espejo convexo y ligeramente tintado.
Este tinte permitía observar el sol sin deslumbrarse y simplificaba y armonizaba las diferentes gradaciones tonales, reflejando una realidad invertida, pero con calidades pictóricas.
Se fabricaron en diversos tamaños, algunos de pequeñas dimensiones para su fácil transporte.
ESTARCIDO
El estarcido es un procedimiento artístico que consiste en aplicar pintura o pigmento a una superficie interponiendo un recorte o plantilla.
Se puede utilizar casi con cualquier técnica pictórica, tanto para trasladar formas, dibujos o bocetos previos como para superponer capas posteriores.
Si pintamos el hueco recortado resultará un estarcido positivo y si interponemos el recorte será un estarcido negativo.
Su uso se remonta a la prehistoria y se ha mantenido en el tiempo en sus facetas artesanas, artísticas y decorativas.
FAUVE
El galicismo “fauve” o “fauvisme”, hace referencia a un estilo pictórico que surge en Francia durante la primera década del siglo XX.
Coincide con el expresionismo, gestado anteriormente, y con los periodos finales del postimpresionismo y del nabi.
Cezanne, 1906
Aunque utiliza igualmente la potencia de los colores como estas corrientes, no es así ni técnica ni temáticamente. Sus colores son límpios, vibrantes y expresivos, liberados de las limitaciones naturalistas. Simplifican sus formas de tal manera que son premonitorios de la futura abstracción.
Sus máximos exponentes fueron Matisse, Derain y Vlamink que divergieron en sus tendencias posteriores. Este estilo tuvo una corta existencia, pero contribuyó y marcó el camino de las sucesivas vanguardias del siglo XX.
GESSO
El gesso, es un material usado para la preparación de superfícies antes de pintar sobre ellas. El término proviene del italiano y etimológicamente del latín “gypsum”.
La fórmula era ya utilizada en el Trecento italiano y se componía de yeso (sulfato cálcico bihidrato) y cola de conejo u otros aglutinantes. Hoy en día se comercializa normalmente con una composición basada en carbonato cálcico (blanco de España) emulsionado en polímeros acrílicos como, por ejemplo, el látex.
Las superfícies porosas o absorbentes como el lienzo, el cartón o la madera, precisan de una imprimación impermeable que prevenga de un excesivo desecamiento y posterior craquelado a la pintura.
IMPASTO
El impasto es una técnica pictórica que consiste en depositar sobre la superficie de la obra una cantidad suficiente de pintura para que se aprecie su volumen.
Estas texturas ofrecen al espectador un efecto visual tridimensional, rítmico y son sumamente expresivas.
Proviene del italiano “impastare” que significa amasar, pegar o empastar.
Artistas como Tiziano en el Renacimiento o Rembrandt y Velázquez en el Barroco ya la usaron para enfatizar o resaltar ropajes u otras partes de los temas representados.
Fueron la mayoría de los impresionistas y postimpresionistas, no obstante, quienes utilizaron esta técnica para resolver todas las partes de sus obras y ha estado vigente en la mayoría de estilos y corrientes hasta la actualidad.
NAIF
El término naif es un galicismo que significa ingenuo o cándido.
En el arte pictórico describe aquellas obras que se expresan de una forma aparentemente pueril.
Estas son algunas de sus características:
- Cierta ausencia de una perspectiva estricta.
- El contorno de los elementos acostumbra a ser preciso..
- Muchas obras de este estilo poseen colores puros y vibrantes.
- Su temática es sencilla.
Aunque en todas las épocas han existido creaciones ingenuistas se comienza a categorizar con esta expresión las obras de artistas de finales del siglo XIX. Éstas son rápidamente ridiculizadas por los críticos en sus comentarios, que las consideraban carentes de técnica e inmaduras.
Aún así este estilo sigue vigente en la pintura contemporánea no siguiendo unas premisas estrictas, destilando frescura y originalidad.
NATURALEZA MUERTA
La «naturaleza muerta» es un género artístico que representa objetos inanimados. También es conocido como “bodegón”.
Otros géneros figurativos son: el Retrato, la Figura, el Paisaje, el género Histórico, el Costumbrista, o la Alegoría entre otros.
Los bodegones han ido evolucionando a lo largo de la historia del arte, con épocas en las que las representaciones estaban dotadas de connotaciones místicas o sobrenaturales con otras exclusivamente decorativas.
A menudo, los artistas lo han utilizado en sus obras como estudio de formas, composición, luces, texturas… por ser un fácil recurso temático, incorporando los estilos y las técnicas imperantes o experimentando de nuevas.
PENTIMENTI
La expresión italiana **pentimenti**, o traducido: arrepentimientos, define las rectificaciones detectables que se realizan en una obra pictórica.
Estas revisiones se deben producir cuando la pintura ya está seca pues de lo contario no estarían visibles ni mediante reflectografías o radiografías y serían, sencillamente, reajustes durante el proceso de ejecución de la obra.
Su apreciación a simple vista se puede producir por el aumento de textura en zonas determinadas o por la transparencia que han ido adquiriendo algunos pigmentos y aglutinantes con el paso del tiempo. En ciertas ocasiones se pueden observar por una decisión deliberada del artista.
Los pentimenti ofrecen una valiosa información del proceso creativo y ayudan a mejorar la comprensión de, por ejemplo, la narrativa o la composición de las obras.
Mediante un proceso de restauración en la obra de Vermeer «Muchacha leyendo una carta», se descubre que existe una imagen de un tapiz oculto por una capa de pintura. Posteriormente, en 2021, se comprueba que la corrección había sido realizada posteriormente a la muerte del artista. Se decide entonces restaurarla y mostrarla con su composición original.
POURING O ACRÍLICO FLUIDO
La técnica pictórica del pouring, también es conocida como «fluid art», «acrylic pouring», “vertido de acrílico”, “acrílico fluido”…
Esta multitud de definiciones constata su actualidad y vigor, tanto en el sector de creadores artísticos como en el decorativo exclusivamente.
Su éxito se debe en gran parte a la facilidad de su práctica y a la espectacularidad de sus resultados.
Resumiendo, el “pouring” es una técnica artística, generalmente a base de pintura acrílica, en la cual se hacen desplazar los colores fluidos por el soporte mediante procedimientos mecánicos de movimiento, por la propia fuerza de la gravedad, por empuje con otros utensilios o, incluso, por chorros de aire.
Algunos artículos definen a las obras producidas con “pouring” de arte abstracto pero con su dominio, y el talento de algunos creadores, se consiguen auténticos efectos de arte figurativo. Admite, además, retoques durante el proceso de elaboración o también en seco.
Hay coincidencia en numerosas fuentes a atribuir a David Alfaro Siqueiros, nacido en Méjico y con una trayectoria vital y artística fascinantes, los primeros experimentos con esta técnica en la década de 1930.
El “pouring” ha conseguido ser en una técnica con una comunidad de fieles en crecimiento continuado, y que no paran de investigar y agrandar sus posibilidades o que sencillamente disfrutan observándolo.
Su éxito se debe en gran parte a la facilidad de su práctica y a la espectacularidad de sus resultados.
PRERRAFAELISMO – PRERRAFAELITA
El estilo prerrafaelita fue un movimiento artístico que surgió en Inglaterra en 1848 con la creación de la “Hermandad Prerrafaelita” (Pre-Raphaelite Brotherhood, en inglés).
Fundaron la Hermandad los jóvenes pintores Dante Gabriel Rossetti, John Everett Millais, William Holman Hunt. Otros artistas e intelectuales fueron invitados a formar parte de ella.
Se rebelaron contra las convenciones artísticas establecidas en la época victoriana y buscaron un retorno a la estética y a las técnicas de la pintura anterior a Rafael, el pintor renacentista italiano.
Algunas de sus obras fueron consideradas blasfemas, como la obra “Cristo en la casa de sus padres” (1850) de Millais. Éste usó a personas reales y cercanas como modelos, hijos de amigos, primo, cuñada y a su propio padre.
Una de las obras más icónicas es «Ophelia» pintada por Millais entre 1851 y 1852.
La duración de la Hermandad fue breve, apenas cinco años, pero sacudió los pilares de la tradición y moral de su época.
Otros pintores, aunque sin pertenecer directamente a la Hermandad, se sumaron a los principios del movimiento como Ford Madox Brown, Edward Coley Burne-Jones o William Waterhouse.
Otros artículos consultados interesantes:
https://www.britannica.com/art/Pre-Raphaelite-Brotherhood
https://en.wikipedia.org/wiki/Pre-Raphaelite_Brotherhood
Hilton, Timothy (1971). The Pre-Raphaelites. New York: H.N. Abrams. ISBN 978-0-8109-0424-8. OCLC 691232293 páginas 28-33
SFUMATO
El sfumato (del italiano sfumare, «difuminar») es una técnica pictórica que consiste en crear transiciones imperceptibles entre tonos, colores y contornos mediante la aplicación de veladuras extremadamente finas.
No hay que confundirlo con el difuminado, que es sencillamente suavizar las transiciones.
Al evitar líneas o límites definidos, esta técnica genera en el espectador una sensación de atmósfera suave, envolvente y realista.
El método fue sistematizado por Leonardo da Vinci a finales del siglo XV.
En análisis espectrales realizados en algunas de sus obras, como por ejemplo la famosa «Gioconda», se observan más de 30 capas superpuestas de veladuras. La mayoría de ellas se extendían con los propios dedos.
En la compilación póstuma de sus pensamientos y textos manuscritos (“Trattato della Pittura”) recomienda que el pintor “no debe hacer contornos con líneas duras, sino que debe difuminarlas”, enfatizando que en la naturaleza nada tiene un borde perfectamente definido.
La técnica se consolidó en el Renacimiento italiano, momento en que se buscaba un realismo óptico y psicológico cada vez más sofisticado.
TIENTO o APOYAMANO
En muchas ocasiones los pintores desean representar de forma precisa detalles o realizar correcciones en sus obras. El tiento es tu mejor aliado.
Es un sencillo utensilio que posibilita insistir o trabajar sobre las superficies que aún están frescas de una obra sin apoyar la mano, evitando su emborronamiento. Por eso también es llamado “apoyamano”.
Artistas de todas las épocas se han representado o fotografiado trabajando con él.
Es de gran ayuda, así mismo, para aquellos que acusan o sufren la pérdida del pulso o tino.
O para calcular proporciones.
Se puede fabricar fácilmente de forma casera, usando un pincel, o adquirirlo comercialmente.